Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, ♫

Je vous souhaite à tous bienvenue sur mon blog !  En étant en classe histoire de l'art, je dois travailler sur ce blog. Vous allez trouver des articles concernant principalemant l'histoire de l'art. Vous trouverez aussi des rubriques ainsi que un index de tous les artistes dont j'ai fait un article. Je vous souhaite une bonne visite !! Cliquez sur les images ci-dessous.☺♥

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dimanche 15 janvier 2012 15:04


La Guerre d'Otto Dix

Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, La Guerre d'Otto Dix

La Guerre est un triptyque d'Otto Dix réalisé entre 1929 et 1932. Le panneau central mesure 204x102 cm et les panneaux latéraux mesurent 204x102 cm. Il est conservé en Allemagne à Desde. La technique est du tempéra sur bois. C'est une scène de guerre figurative.

Cette œuvre représente la journée d'un soldat sur le front ou symboliquement le cercle de la bataille qui mène à la mort. D'abord, sur le panneau de gauche, on peut voir des soldats armés. Ils portent un sac sur leur épaule. Ils nous tournent le dos, marchant dans la brume du matin. Ils forment comme une armée humaine sans visage et sans identité. Puis, dans le panneau central, au premier plan, on peut voir une tranchée. Le peintre a voulu sans doute nous montrer à quel point les tranchées étaient horribles car on peut voir des corps déchiquetés, des cadavres, des squelettes, du sang, ... A l'arrière plan, on peut remarquer des ruines ce qui évoque les ravages causés par les bombardements. Sur le panneau de droite, Otto Dix s'est représenté en sauveur transportant dans ses bras un soldat blessé. A ses pieds on peut voir des cadavres et derrière lui se trouve des flammes. Le fait qu'il soit blanc s'emble apporté de la pureté à cette œuvre lugubre ainsi que de la lumière. Enfin, dans le panneau du bas, on peut voir un caveau plein de soldats sans vie.

Les couleurs sont très sombres (gris, marron, rouge, ...). Ces couleurs sont associées à la mort et à la destruction.

Otto Dix est un artiste engagé. En effet, dans cette œuvre, il nous montre clairement son dégoût pour la guerre. Il veut nous convaincre de l'horreur de la guerre et de la bêtise de la guerre. Par ailleurs, cette œuvre est un témoignage majeur de la violence de la Première Guerre Mondiale.

Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, La Guerre d'Otto DixJ'ai comparée cette œuvre avec le retable d'Issenheim de Grunewald  peint entre 1512 et 1516. Elle est composée de plusieurs panneaux qui se plient et se déplient. C'est également de la tempéra sur bois.  Elle représente des saints, le Christ et des scènes de la religion chrétienne. On retrouve comme dans la Guerre, dans le panneau du bas, un caveau. Mais là, c'est Jésus qui est présent

dimanche 01 juin 2014 11:56 , dans Art et artistes


Le Fils de l'Homme

Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, Le Fils de l'Homme

Le Fils de l'homme est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1964. Elle mesure 116x89 cm. Elle est conservée au musée de l'organisation nationale à Orlando. C'est un portrait de style surréaliste.

Le Surréalisme est un mouvement artistique fondé par le poète André Breton. Pour les surréalistes, l'œuvre vient de l'inconscient et du hasard et certainement pas de la réflexion et de la raison.

Sur ce tableau, au premier plan, on peut voir un homme. Une partie de son visage est cachée par une pomme verte. Il se tient droit, il est au milieu et il occupe une bonne partie du tableau. Cela montre qu'il est important. Il porte un costume noir, une chemise blanche, ainsi qu'une cravate rouge et un chapeau melon noir. On peut remarquer que le rouge de la cravate et le vert de la pomme, forment des couleurs complémentaires. Cependant, on ne voit pas le bas de son corps. Il a été représenté en "plan américain". Derrière lui, se trouve un mur de brique Le fait qu'il ce trouve devant ce mur, nous donne l'impression qu'il est comme prisonnier. Enfin, à l'arrière plan, il y a la mer et un ciel voilé de nuage.

Les traits sont nets et les dessins sont simples. Les couleurs sont froides (vert, bleu, noir, blanc, gris, ...) mais il y a un peu de rouge. Les lignes directrices sont le long du mur, de l'eau et l'homme. Le tableau est assez sombre.

Le fait que le visage de l'homme soit caché rend celui-ci mystérieux. En effet, Magritte dans une interview a dit  "toute chose ne saurait exister sans son mystère." Il a ensuite dit que dans la vie, nous voyons sans cesse des choses cachées par d'autres et que nous voulions toujours voir la chose cachée. C'est donc dans ce but qu'il a fait ce tableau, pour pousser notre curiosité en quelque sorte. La pomme peut évoquer le fruit défendu d'Adam et Eve qui représente la connaissance du bien et du mal.

Cette œuvre me fait aux œuvres d'Arcimboldo. C'est un peintre maniériste du XVème siècle qui réalise des visages grâce à des végétaux.

Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, Le Fils de l'Homme

 

Enfin, en 2011, Toshiba reprend ce tableau dans une publicité où le personnage est fait grâce à des légumes. Cela veut dire que le mixeur peut nous faire faire des œuvres d'art.


J'ai bien aimé ce tableau car on peut s'apercevoir qu'avec quelques dessins simples, on peut en dire beaucoup.

jeudi 29 mai 2014 11:41 , dans Art et artistes


Callisto et Jupiter

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Callisto et Jupiter est une œuvre de Nicolaes Berchem réalisée en 1656. C'est une huile sur toile de 129 x 168 cm qui appartient à une collection privée. C'est une peinture mythologique. C'est une œuvre de style Baroque.

Nicolaes Berchem est peintre, dessinateur et graveur néerlandais. Il est né en 1621 et il est mort en 1683. Il a beaucoup peint des paysages mais aussi des représentations d'animaux : comme paysage italien au coucher du soleil ou paysage avec deux chevaux. Il est considéré comme l'un des précurseurs de la peinture rococo.

On peut voir sur le tableau au premier plan, des chiens de chasses qui regardent l'air méfiant vers le ciel. Il nous annonce comme un danger dans le ciel. A côté d'eux se trouve une femme étendue sur le sol sous un arbre qui à l'air de se reposer. Cette femme est Callisto. Elle se trouve au milieu et occupe une bonne partie du tableau se qui montre qu'elle est assez importante. Elle porte une tunique blanche, une jupe jaune et des sandales. Cependant, elle n'a rien sur sa poitrine se qui est typique dans les représentations mythologiques. Elle touche ses cheveux d'une main et de l'autre caresse une biche. Son regard est porté vers le coin en bas à droite du tableau. A côté d'elle, on peut voir un carquois replis de flèches, se qui est comme la biche et les chiens de chasses, des symboles de la déesse de la chasse, Diane. Ils nous montrent bien que c'est Callisto puisque c'est une de ses nymphes. A l'arrière plan, on peut voir un paysage dans le noir avec des arbres, des collines mais aussi, un ciel très nuageux. Dans le ciel, environ au milieu, on peut voir Jupiter, dans des nuages. On le reconnait car on devine un aigle à côté de lui et il tient un éclair. Le fait que le ciel soit gris, nuageux, crée un contraste avec Callisto au premier plan qui paraît détendu et qui est de couleur claire. Cela annonce comme un mauvais présage. De plus, on éprouve donc de la compassion pour elle. En effet, Jupiter ne s'est pas encore transformer en Diane pour mettre Callisto enceinte. (voir mythe de Callisto)

Les couleurs sont très sombres : gris, noirs, marrons, qui sont là pour évoquer l'atmosphère orageuse, sauf pour Callisto qui porte des couleurs lumineuses (jaune, blanc), ce qui attire notre regard. On a l'impression que la lumière vient de Callisto. Les traits des dessins sont assez nets (plis des habits, ...).

On a l'impression, qu'une diagonale du tableau vient couper celui-ci en deux partie : la bien et le mal.

Dans cette œuvre, l'artiste veut nous donner un sentiment de danger et de méfiance. De plus, cette œuvre est bien de style Baroque car on retrouve des caractéristiques du Baroque comme la surcharge décorative, les effets dramatiques, la tension, l’exubérance.

Je peux le comparer à Artémis et Callisto de François Boucher en 1744. Dans ce tableau, Jupiter a déjà fait sa transformation. De plus, on retrouve un aigle et un carquois. Cependant, les couleurs sont beaucoup plus claires et plus chaudes dans ce tableau. De plus, il y a des anges qui pourraient représenter Cupidon, le dieu de l'amour. Enfin, comme dans l'autre œuvre, on retrouve le nu féminin. 

vendredi 23 mai 2014 11:32 , dans Art et artistes


Le Pop'art

Blog de aliice : De l'autre côté d'Alice, Le Pop'art

Le Pop'art est un mouvement qui apparaît dans les années 1950 en Grand-Bretgne et aux Etats-Unis. Les principaux artistes sont Andy Warhol, Roy Lishtenstein et Richard Hamilton. Les oeuvres du Pop'art contestent les traditions (représenter des sujets nobles, comme la peinture d'histoire par exemple), en utilisant les images populaires issue de la publicité ou des bandes dessinées. Le banal devient le sujet des oeuvres. Le Pop'art permet de mettre en évidence l'évolution de la société, de plus en plus tourné vers la consomation et l'argent. 

Par exemple, l'oeuvre ci-dessus est une oeuvre très connue d'Andy Warhol qui s'appelle Mariln Monroe. Elle a été faite en 1967. Elle représente l'actrice Marylin Monroe en sérigraphie. C'est un procédé d'impression utilisé dans le domaine publicitaire ou commercial pour produire des affiches ou des images. Ici, les couleurs ont été changées pour apporter des variations à son visage. J'aime beaucoup cette oeuvre et ce mouvement ce sont des choses assez simples qui deviennent de l'art. 

dimanche 18 mai 2014 12:18 , dans Art et artistes


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